del 1 al 5 de diciembre
Programa de MITsp para la internacionalización de las artes escénicas brasileñas, la Plataforma Brasil presenta, en 2021, una exposición digital con 18 trabajos nacionales en formato de video. Los curadores de la programación son Kil Abreu y Sônia Sobral. Se presentan producciones brasileñas de varios estados, con teatro, danza y performance – algunos espectáculos son inéditos en MITsp, otros ya han participado en ediciones anteriores de MITbr – Plataforma Brasil. Serán exhibidos de forma gratuita al público y a programadores de festivales nacionales e internacionales, invitados por la MITsp. Los trabajos tendrán subtítulos en inglés, audiodescripción y lengua de signos y estarán disponibles, on demand, durante todo el período de exposición.
La Arborescencia
Alessandra Negrini, Ester Laccava, João Weiner, Silvia Gomez
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DELIRAR LO RACIAL
Davi Pontes y Wallace Ferreira
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DESFAZENDA – ENTIÉRRENME FUERA DE ESTE LUGAR
O Bonde
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Glitch
Flavia Pinheiro
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HOMBRE TORCIDO
Eduardo Fukushima
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IN.VERTIR A LA DERIVA
Cia. Les Commediens Tropicales
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Marise Maués
SERENATAS BAILADAS
Soraya Portela
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Vapor
Original Bomber Crew
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Boca de Fierro
Marcela Levi y Lucía Russo
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Dinamarca
Grupo Magiluth
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Manifiesto Transpofágico
Renata Carvalho
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Protocolo Elefante
Grupo Cena 11 Cia. de Dança
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(VER[]TER) A LA DERIVA
Cia. Les Commediens Tropicales
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Vestigios
Marta Soares
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LANZAMIENTOS DE LIBROS
“La Arborescencia” y “By Heart y Otras Piezas”
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LA ARBORESCENCIA
Alessandra Negrini, Ester Laccava, João Weiner, Silvia Gomez
CALIFICACIÓN: 14 AÑOS
SINOPSIS
Híbrido entre teatro y cinema, el monólogo recurre a lo fantástico y lo absurdo para discutir nuestra relación de amor y ruinas con el medio ambiente y el planeta en el que vivimos. La narración sigue al personaje M. (Alessandra Negrini), quien, seguida de una pérdida, atraviesa un extraño e inexplicable proceso de metamorfosis, viendo su cuerpo transformarse en una estructura vegetal. A punto de completar la transmutación, ella se despide de sus rasgos mundanos con una conferencia, reflexionando sobre los aspectos extraordinarios de la experiencia vivida de un cuerpo humano.
HISTÓRICO
Alessandra Negrini es actriz. Actuó en telenovelas y miniseries, como “Graciosa” (1998), películas como “La Hierba de la Rata” (2008), de Júlio Bressane, y “El Abismo de Plata” (2013), de Karim Aïnouz. En teatro actuó con directores como Francisco Carlos (“Sonata Fantasma Bandeirante”) y Leonardo Medeiros (“La Señora de Dubuque”).
Ester Laccava es actriz y bailarina. Entre sus obras teatrales se encuentran “Chicas de la Cuadra” (2004), “La Fiesta de Abigaiú” (2007) y “Piscina sin Agua” (2010). En 2011 produjo y actuó en “El Árbol Seco”, por la que fue nominada al Premio Shell a la mejor actriz.
João Wainer es periodista, fotógrafo y cineasta. Dirigió los largometrajes “PIXO” y “JUNHO”. Trabajó en el periódico Folha de S.Paulo durante 20 años, colaboró con publicaciones como Vice, New York Times, The Times, Rolling Stone y Trip. Actualmente, dirige películas documentales y publicitarias, así como proyectos personales.
Silvia Gomez es dramaturga, periodista y guionista, autora de obras de teatro como “Manténgase Fuera del Alcance del Bebé” (2015) y “En este Mundo Loco, Esta Noche Brillante” (2019). Desde 2017 imparte clases de dramaturgia en instituciones como CPT_SESC y actualmente coordina el Núcleo de Dramaturgia SESI-SP.
TÉCNICO
Texto: Silvia Gomez
Creación y guión: Ester Laccava
Dirección: Ester Laccava y João Wainer
Reparto: Alessandra Negrini
Invitado especial: Gui Calzavara
Escenario: Camila Schimidt
Vestuario: Ana Luiza Fay
Banda sonora: Morris
Diseño de luces: Mirella Brandi
Asistente de dirección: Elzeman Neves
Preparación corporal: Ana Paula Lopez
Maquillaje: Beto France
Peluca (caracterización): Emi Sato / Tisse Sato
Director Técnico: André Prado
Ejecución: Jeferson de Oliveira Santos
Cenotécnicos: José Alves da Hora, Patrick Lima dos Santos, Rafael Guirado Neto y Rafael Clemente
Técnicos de iluminación: Ari Nagô y Jomo Olaniyan da Silva Faustino
Conductores de camión: Marcos Araújo Honorato, Cláudio García y Wilson Pereira Lima
Cargadores: Américo Dionísio, Elias Honorato dos Reis Araújo, Rafael Guirado Neto y Patrick Lima dos Santos
Conductor de la camioneta: José Felisberto Neto
Guardias de seguridad de Bulla Company: Marcio Antonio Bullara, Alex Sandro Tomaz Afonso y Rodrigo Nascimento Almeida
Catering: Pai de Saia
Oficina de prensa: Fernanda Teixeira
Artes gráficas: Victor Bittow
Asistente administrativo: Rogério Prudencio
Productor local – Visconde de Mauá (RJ): Renato Diniz Bento
Producción ejecutiva: Heloisa Andersen
Gestión de proyectos: Luana Gorayeb
Dirección de producción: Gabriel Fontes Paiva
Realización: Fontes Realizações Artísticas
Productores asociados: Alessandra Negrini y Gabriel Fontes Paiva
EQUIPO DE RODAJE
Dirección: João Wainer
Montaje y codirección: Cesar Gananian
Dirección de fotografía: Isadora Brant
Asistente de dirección: Karine Damiani
Segunda cámara: Giovanna Pontarelli
Sonido directo: Felipeh Silva
Coordinación de operaciones: Frederico Kesselring
Asistente de fotografía: Uerlem Queiroz
Animaciones: Marina Quintanilla
Tratamiento de color: Gabriel Ranzani
Composición de imagen: Jr Polenga
Coordinador de post producción: Frederico Kesselring
Producción ejecutiva: Roberto T Oliveira y Camila Villas Boas
Filmado en el Teatro FAAP
Imágenes externas en Visconde de Mauá (RJ) y la ciudad de São Paulo
EQUIPO FAAP
Directora: Claudia Hamra
Asistentes: Denis Cordeiro, Rita de Cássia Rodrigues y Wilson Marques
Asistentes de Actividades de Teatrales FAAP: Henrique de Moraes Gonçalves y Leandro Lima da Silva
Billeteria FAAP: Bruno Rocco
Asistente: Thayannen Kelly Azevedo Feitosa
Luz: Dos Santos Iluminação
Sonido: MC Som
Patrocinio: UOL
Apoyo: Teatro FAAP
Agradecimientos: DOKA Bathtubs, Rochele Alves, Priscila Jorge, Seu Jorge, Flavio Abreu, Hermeto Pascoal
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DELIRAR LO RACIAL
Davi Pontes y Wallace Ferreira
CALIFICACIÓN: LIBRE
SINOPSIS
En este trabajo experimental, David Pontes y Wallace Ferreira tratan con la incertidumbre, el desorden y lo temporal para pensar en la ética fuera del tiempo para la vida de los negros. El dúo se acerca a las ideas de la artista y filósofa Denise Ferreira da Silva, quien piensa en la raza no como algo histórico, sino como un evento separado del tiempo. A esto se suman preceptos de la física cuántica y las matemáticas, como una conexión bicondicional (↔), para pensar en la ecuación: racial ↔ no local. Es una lógica que anula el pacto de espacio-tiempo e imagina otra realidad, un universo en el que conviven todas las partículas, sin el fantasma de la linealidad. Así, en el palco donde tiene lugar la actuación, el tiempo se suspende, y el paisaje sonoro acentúa el aspecto sensorial de la obra, que mezcla movimientos y reflexiones, narradas por la voz en off de David.
HISTÓRICO
David Pontes es artista, coreógrafo e investigador, graduado en Artes por la Universidad Federal Fluminense. Basado en una investigación corporal, su práctica lleva el constante desafío de posicionar la coreografía para responder a sus propias condiciones onto-epistemológicas, cumpliendo políticamente con las condiciones en las que se está ejecutando. El artista ha dedicado su práctica a profundizar en los conceptos de racialidad, coreografía, autodefensa y sus funciones, a partir de la idea del registro contenido en la producción de la historia.
Wallace Ferreira es un artista de danza, intérprete y artista visual. A través de prácticas interdisciplinares, trabaja con obsesión por adentrarse en el interior de lo invisible, habitando las debilidades, llenas de movimientos que desean eliminar certezas y disputar narrativas. Traicionar las palabras y producir imágenes para tocar con los ojos. Movido por los desafíos de tensar el presente; desde 2017 ha presentado sus trabajos en galerías de arte, festivales nacionales e internacionales.
TÉCNICO
Dirección: Davi Pontes y Wallace Ferreira
Cámara y edición: Matheus Freitas
Pista de música y diseño de sonido: PODESEROFF
Voz por: David Pontes
3D: Gabriel Junqueira
Sonido: Nuno Q Ramalho
Dirección de arte y luz: Iagor Peres
Styling: Iah Bahia
Producción de set: Idra Maria Mamba Negra
Soporte de set: Gabe Arnaudin
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DESFAZENDA – ENTIÉRRENME FUERA DE ESTE LUGAR
O Bonde
CALIFICACIÓN: 12 AÑOS
SINOPSIS
La historia retratada en el documental “Niño 23: Infancia Perdida en Brasil”, sobre nazis brasileños que se llevaron a 50 niños negros de un orfanato para ser esclavizados, es el punto de partida de esta pieza-filme. Aquí, la narrativa se centra en los personajes 12, 13, 23 y 40, personas negras que cuando niños fueron salvados de la guerra por un sacerdote blanco. En un lenguaje de spoken word, con pocos elementos en escena, los cuatro cuentan su rutina en la finca donde viven, se ocupan de las tareas diarias y son supervisados por Zero. Pero en este ambiente aislado, el cura nunca sale de la capilla, la guerra nunca llegó a la finca, y cada vez que se cuestionan los porqués suena la campana y todo vuelve a ser como era (casi siempre).
HISTÓRICO
Fundado en 2017, O Bonde es un colectivo teatral formado por artistas negros y de barrios periféricos de la Escuela Libre de Teatro de Santo André. Su lenguaje de investigación es el teatro negro y sus diásporas contemporáneas que reverberan materialidades invisibles, no vistas en el trabajo teatral, la investigación sobre el cuerpo negro periférico y la construcción de un imaginario antirracista y poderoso en diferentes formas de representación. Entre sus obras se encuentra el espectáculo infantil “Cuando muera, se lo diré todo a Dios” (2019), sobre la historia real de Abou, un niño negro de 8 años que fue encontrado en una maleta al cruzar la frontera entre África y Europa y la producción “Desfazenda – Entiérrenme Fuera de Este Lugar” (2021).
TÉCNICO
Dirigida por: Roberta Estrela D’Alva
Dramaturgia: Lucas Moura
Dirección musical: Dani Nega
Reparto: Ailton Barros, Filipe Celestino, Jhonny Salaberg y Marina Esteves
Voces de madre e hijo: Grace Passô y Negra Rosa
Dirección de imagen y edición: Gabriela Miranda y Matheus Brant
Dirección de fotografía: Matheus Brant
Asesoría artística: Daniel Lima
Sonido directo: Ruben Vals
Practica y diseño de spoken word: Roberta Estrela D’Alva
Producción musical: Dani Nega
Canciones “Saci” y “Tocar o Gado”: Dani Nega y Lucas Moura
Vestuario: Ailton Barros
Desarrollo de vestuario: Leonardo Carvalho
Marcado de color: Lucas Silva Campos y Samira França
Funcionamiento de la cámara y efectos ópticos: Isadora Brant
Diseño gráfico: Tide Gugliano
Fotos: David Costa, Isadora Brant, José de Holanda y Tide Gugliano
Subtítulos: Francisco Grasso
Diseño de luces: Matheus Brant
Operación de luz: Gabriele Souza
Técnica de iluminación y traquitanas: Giovanna Kelly
Producción: Body Tracked – Graci Fiori
Oficina de prensa: Canal Aberto – Márcia Marques, Carol Zeferino y Daniele Valério
Realización: O Bonde
Dramaturgia libremente inspirada en la película “Niño 23: Infancia Perdida en Brasil”, de Belisário Franca
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GLITCH
Flavia Pinheiro
CALIFICACIÓN: 16 AÑOS
SINOPSIS
El trabajo de Flavia Pinheiro, de Recife, busca traducir el estado de transformación generado por el encuentro con la multiplicidad, con individuos de identidad fluida. Con este fin, ella parte de la idea de “glitch“, un término utilizado para definir fallas de corto plazo en los sistemas, e investiga cómo los cuerpos queer, desobedientes, pueden piratear y desestabilizar los sistemas hegemónicos de poder. En el escenario, diferentes intérpretes traen sus individualidades, en variadas coreografías, pero esta colectividad provoca pequeños defectos y momentos de colapso en el escenario.
HISTÓRICO
Flavia Pinheiro es intérprete, coreógrafa y artista visual. Sus obras involucran el cuerpo en movimiento en relación con diferentes dispositivos e indagan en las relaciones de fuerza y poder del neoliberalismo hegemónico plasmado a través de un intenso y ordinario entrenamiento para el fin del mundo. Ella crea imágenes, programas de performance, scores, instalaciones, videos e intervenciones urbanas como utopías de práctica: “¡Baila para no morir!”. Participó en festivales y proyectos nacionales e internacionales en obras como “Contacto Sonoro” y “Como Mantenerse Vivo”. En 2021, Flavia terminó una maestría en DAS Choreographyen en Ámsterdam.
TÉCNICO
Creación: Flavia Pinheiro
Colaboración artística: Tom Oliver Jacobson
Intérpretes: Agnė Auželytė, Ciro Goudsmit (Zero), Dora Brkarić, Flavia Pinheiro, Gabriel de Oliveira, Sára Korom (Sashu), YuJing LIU (Hugo)
Músico: Gabriel de Oliveira
Mentores de investigación: Andre Lepecki y Pedro Manoel
Música: Hedra Rockenbach
Imágenes: Neda Ruzheva y Antonia Pushkareva
Edición: Tom Oliver Jacobson
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HOMBRE TORCIDO
Eduardo Fukushima
CALIFICACIÓN: LIBRE
SINOPSIS
El solo de Eduardo Fukushima fue creado en 2013, en Venecia, para la sala Cenáculo Palladiano, un antiguo comedor benedictino donde Paolo Veronese pintó la obra “Matrimonio en Caná” en el siglo 16. La coreografía contrasta la grandeza y las líneas rectas de este lugar. Es una danza quebrada, desalineada y vibratoria, un constante caminar en desequilibrio. La obra fue posteriormente recreada para espacios alternativos y grabada en la Oficina Cultural Oswald de Andrade, en São Paulo. El espectáculo, que presencialmente tiene un carácter de lateralidad, adquiere otro punto de vista en el vídeo, el de la frontalidad.
HISTÓRICO
Eduardo Fukushima es bailarín, performer, coreógrafo, director y docente, graduado en Comunicación de las Artes del Cuerpo en la PUC-SP. Entre sus principales creaciones se encuentran los solos “Entre Contenciones” (2008), “¿Cómo superar el Grande Cansancio?” (2009) y “Hombre Torcido” (2014). Ha estado colaborando con los artistas Beatriz Sano, Júlia Rocha, Isabel R. Monteiro, Hideki Matsuka, Rodolphe Alexis y Miguel Caldas y circulando sus obras en Brasil, Sudamérica, Europa y Asia. Colabora con la compañía de teatro japonesa Okazaki Art Theatre de Yudai Kamisato. En 2012, recibió el premio Rolex Mentor & Protégé Arts Initiative, guiado por el mentor Lin Hwai-min, fundador del Cloud Gate Dance Theatre de Taiwán. En 2020 profundizó en la investigación audiovisual en la danza, y entre sus principales creaciones se encuentra el video-performance “Silencio”, para el Museo de la Lengua Portuguesa, por el que recibió el Premio APCA de creación en la danza. En 2021 dirigió y editó los videos: “CANTOS”, para el performer August Lui, en el Festival de Artes Otros, y “LO QUE MANCHA”, con Beatriz Sano. Es artista guía en el programa de Calificación de las Artes de la Secretaria y Economía Creativa del Gobierno del Estado de São Paulo.
TÉCNICO
Creación, dirección general y danza: Eduardo Fukushima
Dirección: Eduardo Fukushima y Pedro Nishi
Composición musical: Tom Monteiro con adaptación de Chico Leibholz
Edición: Pedro Nishi
Fotografía: Lucas Silva Campos
Iluminación para el video: Igor Sane
Producción: Carolina Goulart
Coproducción: Festival Loft 2020 | Fuera del place.
Agradecimientos: Beatriz Sano, Hideki Matuka, Júlia Rocha, João Victor Velame, Marcos Moreno y todo el equipo de Oficina Cultural Oswald de Andrade
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IN.VERTIR A LA DERIVA
Cia. Les Commediens Tropicales
CALIFICACIÓN: LIBRE
SINOPSIS
Experimento escénico audiovisual, híbrido entre documental y ficción, la obra es un despliegue del espectáculo “(ver[ ]ter) a la deriva”, de Cia. Les Commediens Tropicales, compuesto por intervenciones en espacios públicos que dialogan con el silencio de las imágenes de una metrópoli. En el video, se agregaron registros de archivo de las presentaciones hechas a lo largo de diez años de trabajo original, y sumadas a las grabaciones de nuevas acciones, adaptadas al contexto de la pandemia. Impregnado de los conceptos y herramientas de la post producción en el arte presente de la creación del original “(ver[ ]ter)”, los artistas de la compañía, junto al cuarteto À Deriva y Bruta Flor Filmes, proponen nuevas imágenes, nuevas preguntas y nuevas formas de vivir y producir teatro contemporáneo.
HISTÓRICO
Creado en 2003, como parte del curso de Artes Escénicas de la UNICAMP en Campinhas, la Cia. Les Commediens Tropicales está radicada em la capital Paulista desde 2005, el grupo trabaja la intersección de los lenguajes: teatro, danza, música, performance, videoarte e intervención urbana. Actualmente está formado por los artistas Carlos Canhameiro, Paula Mirham, Rodrigo Bianchini, Michele Navarro, Daniel González y Tetembua Dandara. A lo largo de la trayectoria del grupo se han realizado varias piezas: “Gálvez Emperador de Acre”; “CHALAÇA la pieza”; “La Última Quimera”; “2º D.Pedro 2º”; “El Pato Salvaje”; “Consejo de Destrucción”; “GUERRA sin Batalla”; “MAUSER de garaje”; “BAAL. material”; e “MEDUSA Concreta”.
TÉCNICO
Puesta em escena: Cia LCT, Quarteto À Deriva y Bruta Flor Filmes
Reparto, dirección y música: Cia. LCT y Cuarteto À Deriva – Beto Sporleder, Carlos Canhameiro, Daniel Gonzalez, Daniel Muller, Guilherme Marques, Michele Navarro, Paula Mirhan, Rodrigo Bianchini, Rui Barossi y Tetembua Dandara.
Dirección audiovisual y montaje: Bruna Lessa
Dirección de fotografia: Cacá Bernardes
Edicion y mezcla de sonido: Rui Barossi
Drones: Sóllon Rodrigues
Asistente de Cámera: Cauê Gouveia
Sonido directo: Carina Iglecias
Técnicos de escena: Cauê Gouveia y Matias Arce
Técnico de sonido: Ivan Liberato
Consultoria de imagen: Mônica Abed
Accesorios: José Valdir Albuquerque
Producción: Cia. LCT y Mariana Pessoa
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MARISE MAUÉS
CALIFICACIÓN: LIBRE
SINOPSIS
La artista Marise Maués presenta cuatro video-performances, en los que investiga diversos temas en el territorio de Pará. En “Nóstos”, grabado en la isla ribereña de Maracapucu Miri, en el municipio de Abaetetuba, se encuentra con un viejo árbol mututi que emerge del lecho de igarapé y perpetua su existencia en ese árbol, cosiéndole vestiduras y envolviendo su cuerpo. El lugar es también el escenario de “Loess”, en el que Marise se encuentra en el agua, recibiendo el flujo de dos mareas, una crecida y otra fluida. La idea es instigar la lectura del hombre contemporáneo como un ser loess, capaz de múltiples identidades, formado por capas que se superponen en el tiempo. Ya “Kali” habla de las ruinas de Belén, comenzando por la estructura de la mansión Camelier. Dentro de la propiedad ya olvidada, vemos una figura femenina cuyo cuerpo está descarnado por el tiempo y la humedad. La capital paranense y su degradación también es el tema de “Paisaje Destruido“, celebrado en 2018 en el complejo de Ver-o-Peso. En esta acción, la artista gotea sobre su cuerpo el agua contaminada del río que baña la ciudad.
HISTÓRICO
Marise Maués Gomes es artista visual, nacida en Abaetetuba, en el estado de Pará. Graduada en Geografía en la UFPA, tiene una maestría en Artes Visuales por la misma universidad. Desarrolla proyectos de performance y fotografía, con énfasis en la creación de narrativas visuales y acciones de performance en relación con el arte contemporáneo. Su investigación considera temas como las relaciones sociales y políticas en la región amazónica de Pará; la ancestralidad, el medio ambiente, la memoria, el patrimonio y las cuestiones de género. Tiene participación en salones de arte de Belém, Goiânia, São Paulo, Montevideo (Uruguay) y Marburg (Alemania). Recibió el VI Premio Diario Contemporáneo de Fotografía
TÉCNICO
LOESS
Año: 2015
Concepción y performance: Marise Maués
Dirección de fotografía y montaje: Pedro Rodrigues
Producción de la banda sonora original: Leonardo Pratagy y Ramón Rivera
KALI
Año: 2016
Producción: Coletivo CêsBixo
Actuación: Marise Maués
Dirección de fotografía y montaje: Pedro Rodrigues y Bruno Leite
Iluminación: Patricia Gondim
Diseño de vestuario: Susanne Dias
Producción de la banda sonora original: Leonardo Pratagy
NÓSTOS
Año: 2014
Concepción y performance: Marise Maués
Dirección de fotografía y montaje: Pedro Rodrigues
Producción de la banda sonora original: Ramón Rivera
PAISAJE DSTRUIDO
Año: 2018
Concepción y performance: Marise Maués
Dirección de fotografía y montaje: Pedro Rodrigues
Producción de la banda sonora original: Leonardo Pratagy
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SERENATAS BAILADAS
Soraya Portela
CALIFICACIÓN: LIBRE
SINOPSIS
En un mundo de enfermedad colectiva, con relaciones desintegradas, el olvido es más firme que nunca. A partir de este escenario, la película pone en escena a cuatro señoras del noreste de Brasil, que articulan y celebran el encuentro entre sus recuerdos, sus paisajes íntimos y sus deseos. Sobrevivientes de una pandemia y transitando entre tiempos, realidades comunes, deseos y lugares, bailan como si hubiera un mañana. La obra ficcionaliza con humor, la vida cotidiana tradicional de Lara Luz, Vera Lu, Tetê Souza y Raimunda Flor de Campo, quienes dan serenata y crean otras versiones de sí mismas.
HISTÓRICO
Soraya Portela es artista y educadora. Investiga formas de colaboración de gestión, creación y aprendizaje en la danza a partir de la infancia y la vejez. Dirige y es curadora de los proyectos Canteiro, plataforma de creación y articulación de proyectos culturales en THE / PI, como TRISCA – Festival de Arte con Niños y Danzas Antiguas, inventos artístico-pedagógicos con la vejez. Formó parte del Proyecto Núcleo Dirceu / Galpão do Dirceu, plataforma de investigación y creación en arte contemporáneo, creado por Marcelo Evelin.
TÉCNICO
Creación y dirección artística: Soraya Portela
Dramaturgia: Carolina Mendonça
Asistente de dirección: Anita Gallardo
Dirección de fotografía y edición: Tássia Araújo
Producción y narrativas digitales: Layane Netherlands
Co-creación y performance: Lara Luz, Tetê Souza, Vera Lu y Raimunda Flor do Campo
Asistencia de cámara: Karystom Soares
Diseño de sonido: Patota y ombligo
Styling: Danton Brando
Diseño gráfico: Calleb Henrique
Gestión financiera: Humble Alves
Finalización: Clandestina Filmes
Realización: Canteiro @canteiroteresina
Apoyo: Escuela Estatal de Danza Lenir Argento
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VAPOR
Original Bomber Crew
CALIFICACIÓN: LIBRE
SINOPSIS
En los callejones de Teresina y otras ciudades brasileñas, “vapor” es una palabra del argot que significa desaparecer. Se refiere a ese habitante de un suburbio que muere, se evapora sin que a la sociedad le importe. También es responsable de la venta ilícita a los consumidores. Es un observador que vigila la favela y advierte a toda la red mediante fuegos artificiales o radio teléfono. Se encuentra entre los más vulnerables debido a la acción policial, llevada a cabo en la juventud. En esta obra, dividida en cinco episodios, los artistas del Original Bomber Crew actúan en espacios abandonados de la capital de Piauí, mostrando un estado constante de fuga forzada y continua y de la necesidad de refugio. En este tránsito entre distintas arquitecturas, el colectivo habla del derecho universal a la vivienda, la idea de un techo propio, de quienes migran, invaden y ocupan, en movimientos-tácticos de supervivencia y elaboración de su existencia.
HISTÓRICO
Original Bomber Crew es una organización de prácticas, investigación y producción de la cultura hip-hop. Activo desde 2005, es un referente en Piauí por su trabajo en la formación del baile callejero. Con participación en festivales, batallas y encuentros nacionales e internacionales; actualmente ocupa la Casa do Hip Hop, en Teresina, junto a otros artistas de la ciudad. El grupo desarrolla espectáculos, performances, batallas, intervenciones urbanas, festivales y talleres de danza en Piauí y estados vecinos.
TÉCNICO
Creación y diseño: Allexandre Bomber
Dirección y creación de video: Maurício Pokemon
Creación e interpretación: Allexandre Bomber, César Costa, Javé Montuchô, Malcom Jefferson, Maurício Pokemon y Phillip Marinho
Participaciones: Kasa, Maria Lúcia Oliveira, Nego Bispo, Raimunda Gomes da Silva y Vine Silva
Colaboración artística y redes sociales: Cleyde Silva
Investigación de sonido: César Costa y Javé Montuchô
Banda sonora y edición: Javé Montuchô
Tipografía: Malcolm Jefferson
Diseño gráfico: Malcom Jefferson y Maurício Pokemon
Dirección de producción: Regina Veloso
Asistencia administrativa: Humilde Alves
Realización: Original Bomber Crew y Casa de Produção | CAMPO arte contemporáneo
Co-producción: Festival Panorama Raft, Bates Dance Festival, CAC Contemporary Arts Center, Centre Chorégraphique National de Caen en Normandie, Charleroi Danse, DanseHallerne, FTA – Festival Transamériques, Gessnerallee, HAU Hebbel am Ufer, In Between Time, PACT Zollverein, Points Communs – Nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise / Val d’Oise, SESC São Paulo, Teatro Municipal do Porto, Trajal Harrel / Tickle the Sleeping Giant Inc., Hyperjetlag Arts, Voo?uit, Walker Art Cente
Agradecimientos: Adenilson Santana/Rato, Bruno Moreno, David Allan, Davi Silva, Gui de Areia e nossas crianças ngelo, Benjamin, Bento, Francisco, Mauê, Pedro Bernardo, Ravi y Theo
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BOCA DE FIERRO
Marcela Levi y Lucía Russo
CALIFICACIÓN: 16 AÑOS
SINOPSIS
Inspirado en el paisaje sonoro de Belém – “boca de hierro” es como se llamaba a los altoparlantes de la ciudad en la década de 1950 – la obra muestra un cuerpo guiado por el sonido. En el escenario, el intérprete de Pará Ícaro dos Passos Gaya trae referencias a la música Tecnobrega y hace que su cuerpo se traduzca en sudor, molesto por sonidos dispares y despojado de la afirmación de identidad. Es una danza rapsodia furiosa, que emana de un cuerpo lleno de contradicciones; además de la musicalidad de Pará, la coreografía de Marcela Levi y Lucía Russo también trabaja sobre inspiraciones como El Infierno de “La Divina Comedia” de Dante, “Macunaíma”, de Mario de Andrade, el universo trans e incluso los memes de internet.
HISTÓRICO
Las coreógrafas Marcela Levi, Carioca, y Lucía Russo, de Argentina radicada en Río de Janeiro, fundaron Improvável Produções (Improbable Producciones) en 2010. Las artistas apuestan por un proyecto de autoría compartida, buscando una dirección que apunte a un régimen de sentido abierto, abarcando diferentes posiciones inventivas que se entrecruzan en un proceso que abraza líneas desviadas, disensiones y diferencias internas como una fuerza crítica constructiva y no como polaridades contradictorias y autoexcluyentes. Improvável Produções es responsable de la creación y producción de las piezas “Naturaleza Monstruosa”, “Mordedores y déjalos Arder” y de la intervención urbana “Sandwalk With Me” entre otras.
TÉCNICO
Dirección artística: Marcela Levi & Lucía Russo
Performance y co-creación: Ícaro dos Passos Gaya
Asistencia: Tamires Costa
Diseño de iluminación: Isadora Giuntini y Catalina Fernández
Vestuario: Levi y Russian
Diseño de sonido: todo el equipo
Video: Tristán Pérez-Martín
Apoyo / Residencias Artísticas: Centro Coreográfico de la Ciudad de Rio de Janeiro / Secretaría Municipal de Cultura, Consulado de Argentina en Rio de Janeiro, Espacio Cultural Sítio Canto da Sabiá, Festival Danza Gamboa, Espacio Graner, Salón Hiroshima y Salmon Festival.
Transmisión internacional: Something Great (Alemania)
Realización artística y producción: Improvável Produções
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DINAMARCA
Grupo Magiluth
CALIFICACIÓN: 18 AÑOS
SINOPSIS
Un grupo de amigos del más alto rango de nobleza está reunido en la mesa. Celebran los tiempos, el momento presente y el “aquí y ahora”. Dentro de sus círculos de felicidad restringidos por reglas, mantienen ese tipo de vida, en el cual no existen “problemas” y lo que más necesitan es mantener su status quo. Inspirada en “Hamlet”, de William Shakespeare, la obra sugiere una reflexión ficticia sobre el fenómeno de las burbujas sociales. Esta es la segunda parte de una trilogía que comenzó con “El Año en que Soñábamos Peligrosamente” (2015), en la que el grupo investiga un momento histórico de movimientos emancipatorios que surgen en todo el mundo. En “Dinamarca”, el colectivo vuelve su mirada hacia otro aspecto social, ajeno a los movimientos de protesta, pero también importante en la construcción de ese explosivo rompecabezas.
HISTÓRICO
Fundado en 2004 en UFPE, el grupo Magiluth desarrolla un trabajo continuo de investigación y experimentación, en constante diálogo con el presente. Con su sede en la capital pernambucana, colabora con diversas acciones en las áreas de investigación, creación y formación artística, en constante diálogo con el territorio en el que se inserta. Su trayectoria incluye obras de teatro basadas en principios de creación teatral independiente, de producción continua, con el objetivo de alcanzar los más altos estándares de calidad estética entre ellos: “Corra” (2007), “1 Torcido” (2010), “El canto de Gregorio” (2011), “Aquello que mi mirada guardó de ti” (2012), “El Año en que Soñábamos Peligrosamente” (2015), “Dinamarca” (2017) y “Apenas el Fin del Mundo” (2019). En 2020 y 2021 desarrolló tres experimentos sensoriales en el confinamiento, diseñados específicamente para el momento del distanciamiento social, “Todo lo que Cabe en un VHS”, “Todas las Historias Posibles” y “Vendrá”.
TÉCNICO
Dirección: Pedro Wagner
Dramaturgia: Giordano Castro
Actores: Bruno Parmera, Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Mario Sergio Cabral y Lucas Torres
Stand In: Rafael Cavalcanti
Diseño de sonido: Miguel Mendes y Tomás Brandão (PACHKA)
Diseño de luces: Grupo Magiluth
Dirección de arte: Guilherme Luigi
Producción: Amanda Dias Leite
Fotografía: Bruna Valença y Danilo Galvão
Diseño gráfico: Guilherme Luigi
Técnico: Lucas Torres
Realización: Grupo Magiluth
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MANIFIESTO TRANSPOFÁGICO
Renata Carvalho
CALIFICACIÓN: 18 AÑOS
SINOPSIS
La historia de un cuerpo de travesti es narrada por la actriz Renata Carvalho. En el escenario, lanza un manifiesto sobre cómo esos cuerpos cobraron vida, describiendo las construcciones sociales y la criminalización que atraviesan, de la imaginación a la realidad. Esta investigación llamada Transpología se inició en 2007, cuando Renata Carvalho se convirtió en agente de prevención voluntaria de ITS (infecciones de transmisión sexual), hepatitis y tuberculosis. Durante 11 años trabajó específicamente con travestis y mujeres trans involucradas en la industria del trabajo sexual en Santos, São Paulo. A partir de esa experiencia, en 2012 puso en escena el solo “Dentro de Mi Vive Otra” en el que cuenta su vida y travestismo. Desde entonces ha estado recopilando historias sobre ese tema y desarrollando la temática en el escenario.
HISTÓRICO
Renata Carvalho es actriz, dramaturga, directora y transpóloga. Fundó Colectivo T – el primer grupo formado íntegramente por artistas trans em São Paulo – y MONART (Movimiento Nacional de Artistas Trans), que em 2007 lanzó el “Manifiesto Representatividad Trans”, en 2012 participó en las obras “ZONA! “, “Proyecto Obispo” y “Nuestra Vida Como Es” además de producciones para televisión y cine. Actúo en “El Evangelio Según Jesús, Reina del Cielo” (que fue ampliamente censurado en Brasil) y “Dominio Público” (montaje que reunió en el escenario a cuatro artistas brasileños que fueron blanco de ataque en 2017). Su espectáculo “Manifiesto Transpofágico” una coproducción entre Risco Festival, Cuerpo Rastreado y MITsp, se estrenó en 2019.
TÉCNICO
Dramaturgia y actuación: Renata Carvalho
Dirección: Luiz Fernando Marques
Iluminación: Wagner Antônio
Video arte: Cecília lucchesi
Adecuación de luz y funcionamiento: Juliana Augusta
Producción: Rodrigo Fidelis – Corpo Rastreado
Coproducción: MITsp y Risco Festival.
Difusión: Corpo a fora
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PROTOCOLO ELEFANTE
Grupo Cena 11 Cia. de Dança
CALIFICACIÓN: 18 AÑOS
SINOPSIS
Basado en la imagen de un elefante que, al borde de la muerte, busca el aislamiento, la obra propone una metáfora sobre la separación y el exilio. Una investigación sobre cómo las personas, los comportamientos, los lenguajes, los afectos, los objetos y las relaciones interpersonales se ven afectados cuando nos alejamos del contexto con el que ya estábamos familiarizados. En esta investigación, el grupo se cuestiona qué significa pertenecer y cuál sería la definición de identidad. La sensación de falta se traduce en una coreografía en la que los intérpretes parecen distorsionar sus cuerpos y lanzarse al espacio en giros, caídas y vueltas.
HISTÓRICO
El grupo Cena 11 desarrolla y comparte herramientas técnicas basadas en las relaciones entre cuerpo, ambiente, sujeto y objeto como variables de un mismo sistema vivo, que existe mientras danza. Sus proyectos fusionan teoría y práctica en la comprensión de la danza y cruzan las definiciones del cuerpo, tratando la tecnología como su extensión y expansión. Un núcleo creativo formado en diversas áreas constituye la base de una producción artística, en la que la idea gana materialidad y se organiza como movimiento. Em 2014, Cena 11 recibió del Ministerio de Cultura y del Gobierno Federal, la Orden del Mérito Cultural; también fue premiado por la Asociación Paulista de Críticos de Arte (APCA) en 2014, 2012, 2007 y 1997
TÉCNICO
Creación, dirección y coreografía: Alejandro Ahmed
Creación y performance: Aline Blasius, Edú Reis Neto, Hedra Rockenbach, Jussara Belchior, Karin Serafin, Marcos Klann, Mariana Romagnani y Natascha Zacheo
Dirección de pista, iluminación y performance: Hedra Rockenbach
Asistente de creación: Mariana Romagnani
Diseño de vestuario y asistente de dirección: Karin Serafin
Asistente de ensayo y preparación técnica: Malu Rabelo
Artistas invitados etapa espejo: Wagner Schwartz, Michelle Moura y Eduardo Fukushima.
Producción: Gabi Gonçalves
Elementos de escena: Roberto Gorgatti
Sede y preparación técnica: Jurerê Sports Center
Solilóquio: Alejandro Ahmed, Aline Blasius, Anderson do Carmo, Edú Reis Neto, Hedra Rockenbach, Jussara Belchior, Karin Serafin, Malu Rabelo, Marcos Klann y Mariana Romagnani.
Libro Rumor: Pedro Franz y Grupo Cena 11
Artista invitada Solilóquio / 2015 y Residencia, vestígio y continuidad 2016: Priscilla Menezes.
Diseño gráfico: BALACLAVA Studio
Residencia Vestigio y Continuidad: Bienal Sesc de Danza 2015. Sesc Consolação 2016.
Proyecto seleccionado Rumos Itaú Cultural
Este proyecto fue galardonado con el Premio Funarte de Danza Klauss Vianna 2014.
Proyecto realizado con el apoyo del Estado de Santa Catarina, Secretaría de Estado de Turismo, Cultura y Deporte, Fundación Catarinense de Cultura, Funcultural y el edicto Elisabete Anderele / 2014.
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(VER[ ]TER) A LA DERIVA
Cia. Les Commediens Tropicales
CALIFICACIÓN: LIBRE
SINOPSIS
La muestra comprende un conjunto de intervenciones escénicas diseñadas tanto para espacios públicos como exteriores, que entablan una conversación con las imágenes mudas expuestas en una metrópoli, reuniendo diversas manifestaciones artísticas como el graffiti, videoarte, performance, teatro, danza, música y artes plásticas. En las intervenciones, los artistas irrumpen en los espacios con sonidos, imágenes, bailes y acciones basadas en las obras del artista británico Banksy. La producción también está inspirada en la cita edípica “¿Por qué ver, si ya no podía ver nada más que fuera agradable a mis ojos?”. Cuatro de las escenas fueron propuestas por los artistas invitados: Andréia Yonashiro, Coletivo Bruto, Georgette Fadel y Tica Lemos. Los músicos del cuarteto de jazz À Deriva interpretan música en vivo.
HISTÓRICO
Creado en 2003, como parte del curso de Artes Escénicas de la UNICAMP en Campinhas, la Cia. Les Commediens Tropicales tiene su sede en la capital Paulista desde 2005, el grupo trabaja la intersección de los lenguajes: teatro, danza, música, performance, videoarte e intervención urbana. Actualmente está formado por los artistas Carlos Canhameiro, Paula Mirham, Rodrigo Bianchini, Michele Navarro, Daniel González y Tetembua Dandara. A lo largo de la trayectoria del grupo se han realizado varias piezas: “Gálvez Emperador de Acre”; “CHALAÇA la pieza”; “La Última Quimera”; “2º D.Pedro 2º”; “El Pato Salvaje”; “Consejo de Destrucción”; “GUERRA sin Batalla”; “MAUSER de garaje”; “BAAL. material”; e “MEDUSA Concreta”.
TÉCNICO
Puesta en escena: Cia. Les Commediens Tropicales, Cuarteto À Deriva y artistas invitados: Andréia Yonashiro, Coletivo Bruto, Georgette Fadel y Tica Lemos
Reparto: Carlos Canhameiro, Daniel González, Michele Navarro, Paula Mirhan, Rodrigo Bianchini y Tetembua Dandara
Músicos: Cuarteto À Deriva (Beto Sporleder, Daniel Muller, Guilherme Marques y Rui Barossi)
Banda sonora: Cia. Les Commediens Tropicales y Cuarteto À Deriva
Asesoría de imagen: Mônica Zaher
Escenografía: José Valdir Albuquerque
Producción: Cia. Les Commediens Tropicales y Mariana Pessoa
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VESTIGIOS
Marta Soares
CALIFICACIÓN: LIBRE
SINOPSIS
“Vestigios” parte de los aspectos monumentales de los sambaquis (monte de conchas), sitios indígenas prehistóricos que se encuentran en las costas de Brasil. Para la investigación, la intérprete visitó cementerios indígenas prehistóricos de la región de Laguna, en Santa Catarina. Al rescatar la memoria ancestral precolonial, la instalación coreográfica propone una reflexión sobre la necesidad de sacar a la luz, en el campo de las artes y la vida, las fuerzas de creación y resistencia que operan a través del cuerpo vibrante. El espectáculo es un intento de sensibilizar lo invisible, es decir, mostrar aspectos simbólicos y sagrados de los sambaquis que se perdieron en el tiempo.
HISTÓRICO
La coreógrafa y bailarina Marta Soares desarrolla trabajos que investigan las posibilidades de intersecciones entre danza, artes visuales (video e instalación), performance y música (espacios sonoros). Ganadora de varios premios APCA en el área de la danza, estudió con María Duscheness (introductora del método Laban en Brasil), con Kazuo Ohno (uno de los creadores de la danza Butoh) y con la intérprete y directora Lee Nagrin (miembro del grupo The House, dirigido por Meredith Monk). Marta Soares es graduada en Artes – State University of New York (1993), tiene una Maestría en Comunicación y Semiótica de la Pontificia Universidad Católica de São Paulo (2000) y un Doctorado en Psicología Clínica del Centro de Estudios de la Subjetividad de la Pontificia Universidad Católica de São Paulo (2012). Además de “El Baño” y “Vestigios”, entre sus producciones se destacan: “Sometimiento”; “Desplazamientos”; “Un Cuerpo que no Puede Soportarlo Más”; “206”; “El Hombre Jazmín”; “Formless” y “Les Poupées”.
TÉCNICO
Creación, dirección y actuación: Marta Soares
Diseño de sonido: Lívio Tragtenberg
Captura de sonido: Fernando Mastrocolla de Almeida
Diseño de luces: André Boll
Espacio escenográfico: Renato Bolelli Rebouças
Asistente de escenografía: Beto Guilguer
Video: Leandro Lima
Fotografía del video: Ding Musa
Asistente de palco: Manuel Fabrício
Cenotécnico: Valdeniro Paes
Producción: Cais Producción cultural
Productores: Beto de Faria y José Renato de Fonseca de Almeida
Este trabajo se realizó con el subsidio del Programa Rumos Danza de Itaú Cultural 2009/2010 y del VII Programa Municipal de Fomento a la Danza de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de São Paulo.
PRESENTACIÓN DE LIBROS
“La Arborescencia” y “By Heart y Otras Piezas”
INFORMACIONES
Escrita por Silvia Gomez, la dramaturgia de “La Arborescencia”, espectáculo que forma parte de la programación de Plataforma Brasil, se publica en un libro de la editorial Cobogó. Para el lanzamiento, la autora se reúne con la dramaturga Marici Salomão y el crítico Rodrigo Nascimento en una charla en vivo el 2 de diciembre a las 19:00 horas. Otro estreno, “By Heart y Otras Piezas” (editorial 34), de Tiago Rodrigues, se celebra con un discurso del actor, director y dramaturgo portugués, que comenta sobre sus escritos y procesos artísticos. Conversa con la actriz Martha Nowill y Leonardo Gandolfi, autor del epílogo del libro. El video estará disponible a partir del 1 de diciembre.
Esta programación se realizará en portugués, sin traducción.
